AdMe
НовоеПопулярное
Творчество
Свобода
Жизнь

10 известных полотен, в которые художники заложили нечто большее, чем мы привыкли думать

Порой людям, которые не так хорошо знакомы с миром искусства, бывает трудно понять, почему та или иная картина считается шедевром. А ведь здесь во внимание необходимо принимать все — от времени и обстоятельств, когда была написана картина, до самых мельчайших деталей, которые художник изобразил на полотне. Так вот, помочь нам разобраться во всем этом вызвалась арт-аналитик и большой любитель живописи со стажем Оксана Копенкина. Она ведет интернет-блог, в котором рассказывает о живописи в простой и увлекательной форме. Так что более подробные описания этих шедевров вы сможете найти в ее блоге.

Мы в AdMe.ru были впечатлены тем, насколько завораживающим и даже несколько провокационным может быть искусство.

1. «Черный квадрат» Казимира Малевича

«Черный квадрат» — одна из самых известных картин Малевича. Но мало кто знает, что стороны фигуры не равны и не параллельны друг другу. И вообще квадрат вовсе не черный. Для написания картин Малевич принципиально не использовал только черную краску, а смешал 3 пигмента: жженую кость, черную охру и природный компонент темно-зеленого оттенка. А для устранения эффекта глянца, который присущ масляным краскам, примешал мел.

«Черный квадрат» не первая подобная работа в истории искусства. За 33 года до Малевича Альфонс Алле нарисовал черный прямоугольник и назвал его «Битва негров в темной пещере глубокой ночью» (1882).

Но работа Алле почти никому не известна, в отличие от картины Малевича. Ведь первое произведение не несет никакой другой смысловой нагрузки, кроме как позабавить зрителя. А вот с помощью своего «Черного квадрата» Малевич делал гораздо более громкое заявление в мире искусства.

На выставке 1915 года «Черный квадрат» был повешен в красном углу (где в домах по традиции вешали иконы). А другие картины с черными и красными фигурами расположили с разных сторон от нее.

Тем самым художник подчеркивал, что реализму и в целом старому искусству пришел конец, а новые, чистые формы займут его место в жизни людей. Так и случилось. «Черный квадрат» оказался водоразделом между двумя эпохами. До него — кринолины, витая мебель и коринфские колонны. После — простые формы и цвета нашей одежды и минимализм в мебели и архитектуре.

2. «Весна» Сандро Боттичелли

Сложно в это поверить, но «Весну» Боттичелли широкая аудитория увидела лишь спустя 450 лет после ее создания. До этого она хранилась у Медичи, потом оказалась в запасниках Уффици, а выставляться для широкой публики стала лишь через 100 лет.

Для правильного прочтения картины необходимо визуально разделить ее на 3 части.

Справа мы видим 3 персонажей, которые олицетворяют собой март. Именно в этом месяце в Древней Греции начинал дуть с моря западный ветер Зефир. Он изображен в виде бога с правого края. Он дует на нимфу Хлориду, которую сделал своей женой против ее воли. И чтобы загладить свою вину, повысил ее в статусе божественных существ, превратив в богиню Флору. Та отвечала за всю растительность на Земле. Поэтому третья справа дама — в платье, расшитом многочисленными цветами и травами.

Далее следует группа из 5 персонажей, которые олицетворяют собой апрель: Венера, Амур и 3 танцующие грации. Праздник в честь Венеры — богини красоты и плодородия — римляне отмечали как раз в апреле, так что она здесь не просто так.

Ну а май представляет бог торговли Меркурий, разгоняющий тучи жезлом. Но почему же Боттичелли изобразил не саму Майю, в честь которой назван месяц, а ее сына? Существует версия о том, почему художник захотел запечатлеть мужчин в начале и конце полотна. Весна — это зарождение жизни. А без мужчин в этом процессе никак (по крайней мере, во времена художника). Ведь недаром он изобразил всех женщин беременными.

Вот такая невероятная символичность, созданная с помощью красивейших образов, и делает картину шедевром.

3. «Менины» Диего Веласкеса

«Менины» Диего Веласкеса — одна из самых оригинальных картин XVII века. На полотне мы видим самого художника за мольбертом, в центре картины — 5-летнюю инфанту (принцессу), которую окружают менины (придворные девушки). А за художником висит зеркало, в котором отражается королевская чета — Филипп IV и Марианна Австрийская. Их дочь вошла в комнату, чтобы посмотреть, как создается портрет родителей.

Может показаться, что взгляды героев картины устремлены на нас. На самом деле они направлены на королевскую семью, изображение которой художник переносит на холст. Веласкес показал зрителю не тех, кого рисуют, а то, что видят те, кто позирует художнику. А мы будто оказываемся на месте тех самых моделей.

И все-таки почему же королю с его супругой отведены столь второстепенные роли на картине? По мнению искусствоведа Паолы Волковой, живописец подсознательно понимал свое унизительное положение при дворе, ведь он занимал должность не только придворного художника, но и главного постельничего. В его многочисленные обязанности входил в том числе и вынос ночных горшков. Многие восприняли бы это как благодать, но только не Веласкес. Возможно, именно поэтому он с помощью «Менин» попытался убрать на второй план всех тех, кто его унижает.

В шедевр же картину превращают не только герои и зеркала. Веласкес делает очень плавные переходы от фигур к окружающему пространству. И если у его современников фигуры всегда выглядели так, словно они стоят на фоне театрального задника, то у Веласкеса мы видим воздух в пространстве. Так работали импрессионисты 2 века спустя.

4. «Крик» Эдварда Мунка

Как рассказывал сам Эдвард Мунк, идея написания «Крика» пришла к нему во время прогулки с друзьями: «Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу».

Всего известно как минимум о 4 вариантах «Крика», однако всемирно известным остается полотно 1893 года, название которого с языка оригинала переводится как «Крик природы» (Der Schrei der Natur).

Такое чувство, будто герой и весь мир вокруг него погрузились в воду. Ведь изображение волнистое, каким оно может быть только под водой. Реальными здесь кажутся лишь перила, которые как бы сдерживают героя от подступающего безумия. Когда разглядываешь это полотно, складывается ощущение, будто художник предчувствует неизбежность наступления мировых войн, революций и экологических катастроф.

Художнику удалось создать невероятно мощный образ, выражающий квинтэссенцию страха. И этот образ настолько откликнулся в душах людей, что даже оказал большое влияние на современную поп-культуру. Вспомнить хотя бы обложку видеокассеты, на которой запечатлен взявшийся за щеки Кевин, или же эмодзи «кричащее от ужаса лицо».

5. «Над городом» Марка Шагала

Марк Шагал часто отправляет своих героев в полет. Не стало исключением и полотно «Над городом». На нем изображены парящие влюбленные — Марк и его жена Белла. Эту картину можно назвать одой любви живописца к своей супруге и родному Витебску, над которым они пролетают. Он изобразил чувство взаимной любви, когда не ощущаешь земли под ногами и становишься одним целым с любимым.

Крайне необычно художник прописал мужскую и женскую фигуры. Он написан в грубоватой кубической манере, она — плавными и округлыми линиями. Усиление ощущения влюбленности придают скособоченные домики, которые на картине выглядят почти как игрушечные.

Но Шагал все же не сказочник, именно поэтому под забором мы видим некоего мужичка, неприлично сидящего на корточках. Его картина — это не идеализация и не мир фей и волшебников. В нем все же справляют нужду. Но влюбленные совсем не замечают мужчину. Именно их чувство показывает художник, а не просто придуманный мир.

Шагал смог создать образ, отражающий состояние радости и приподнятого настроения, с которым сталкивался каждый человек на Земле.

6. «Поцелуй» Густава Климта

На первый взгляд, на знаменитейшей картине Климта изображены двое влюбленных. Они так близки, что образуют собой почти единый монолит. И только рисунок их одеяний обнаруживает границу между их телами.

Но не все так просто. Поза и жесты героини говорят о ее подчиненном положении. Она стоит на коленях, ее стопы напряжены, а пальцы ног упираются в край обрыва. Довольно любопытно и то, как девушка обнимает мужчину. Ее левая рука будто делает слабую попытку отстранить руку «возлюбленного». Правая же рука обнимает его за шею, но в то же время пальцы находятся в сильном напряжении.

Стоит обратить внимание и на стебли вьюна, которые, словно оковы, сдерживают ноги девушки.

Интересно, что на карандашном наброске фигуры также стоят у обрыва, но ощущения того, что девушка может сорваться, не возникает. Такое чувство, будто Климт хотел изобразить просто влюбленную пару, но почему-то решил остановиться на неоднозначном варианте.

Вот такое сочетание невероятной декоративности с неоднозначным образом любви и делает картину мировым шедевром.

7. «Признание апостола Матфея» Караваджо

«Признание апостола Матфея», пожалуй, одна из ярких нетривиальных работ своего времени. Ее нестандартность заключается в том, что Иисус Христос располагается не по центру, как это бывает на традиционных полотнах, а у края полотна. К тому же он находится в тени, за фигурой святого Петра. Но даже в таких условиях фигура Христа бросается в глаза — за счет очень выразительного указательного жеста, которому вторит жест апостола.

А теперь разберемся, на кого он указывает, вернее кто на полотне является будущим святым Матфеем.

Большинство исследователей склоняются к мнению, что это мужчина с бородой, который указывает на себя рукой и как бы задает вопрос: «Кто? Я? Я должен следовать за тобой?»
Однако некоторые говорят о том, что Матфей — это юноша, занятый подсчетом денег. Так что на картине может быть запечатлен тот самый момент, когда юноша, принадлежащий миру порока, через мгновение поднимет глаза и откликнется на призыв Христа.

У Караваджо есть картина «Святой Матфей и ангел», на которой Матфей поразительно похож на того юношу — позой, взглядом, большой головой и телосложением.

Чрезвычайная натуралистичность фигур, нестандартное расположение главных героев, а также невозможность до конца ответить на вопрос, кто есть Матфей, и делает картину такой притягательной.

8. «Голубые танцовщицы» Эдгара Дега

У Эдгара Дега есть целый ряд работ, посвященных балетной теме. Однако самым выдающимся среди них остается полотно «Голубые танцовщицы». Эту картину он написал пастелью, применив особую технику воздействия на рисунок паром. Пастель размягчалась, и художник мог ее растушевать. Вполне возможно, что эта картина могла бы быть черно-белой и выглядеть как его рисунок «Восхищение Вирджинией». Ведь мастер любил рисовать углем, но, как он говорил, «все наседают, требуют цвета».

Все знают, что на картине танцуют 4 балерины. Но, скорее всего, они не танцуют и их вовсе не 4. Возможно, на полотне изображена одна девушка в разные моменты движения. В самом низу картины мы видим, как она наклонилась к пуанту, затем поправила лямки платья. А в верхней части полотна держится за декорации и смотрит на свое платье сзади. Благодаря грациозности движений девушки у зрителя возникает иллюзия танца.

Ко всему прочему в личных документах Дега были найдены негативы балерин, запечатленных в разных позах. Так что, вероятно, он писал «Голубых танцовщиц» по фотокарточкам. Об этом свидетельствуют и «обрезанные» головы некоторых девушек.

Мерцающая пастель и изящность поз фигур, расположенных по кругу, создают один из самых прекрасных образов в истории живописи.

9. «Боярыня Морозова» Василия Сурикова

«Боярыня Морозова» — непревзойденный шедевр Василия Сурикова. Главная сила картины — это ее сюжет. Морозова отказалась принять новообрядческую церковь, поэтому ее постигла печальная участь. Ее, аристократку, везут к месту заключения на простых санях с соломой. Так Суриков хотел показать пережитые ею унижения. В лице боярыни, в ее пальцах, сложенных в двуперстие, мы видим, что она ни за что не отступит. Хотя сама понимает, что идет на верную погибель.

Образ боярыни был списан с одной старообрядки, которую Суриков случайно встретил на кладбище. А юродивого художник написал с московского мужичка, который торговал огурцами, сидя на снегу.

Стоит приглядеться к эмоциям людей. Кто-то плачет, другие восторгаются упрямством Морозовой, третьи и вовсе смеются над ней. Тот самый юродивый, сидящий на снегу, — единственный человек, который ответил Морозовой двуперстием. Ведь ему уже нечего терять.

Долгое время Сурикову не удавалось передать движение саней. Но он нашел выход: изобразил рядом с ними бегущего мальчика. И сани сразу же «поехали». Снег он писал с натуры, а толпа позировала ему на морозе. Ведь Сурикову было важно показать изменения оттенка кожи в холодную погоду.

Крайняя натуралистичность деталей, разнообразие эмоций, а также яркий образ боярыни не могут оставить зрителя равнодушным, особенно если ему известна реальная история героини.

10. «Спаситель мира» Леонардо да Винчи

В 2017 году «Спаситель мира» Леонардо да Винчи был продан на аукционе за баснословные $ 450 млн. Так картина стала самым дорогим произведением искусства, проданным на торгах. Одни утверждают, что эта работа принадлежит самому да Винчи. Другие же сходятся во мнении, что она написана его умелым подражателем. Сомневаться в том, что ее написал сам Леонардо, заставляет одна очень важная деталь: Спаситель написан четко анфас, а Леонардо всегда писал фигуры, повернутые вполоборота. И делал он это намеренно, чтобы придать изображению динамики.

Посмотрев на картину повнимательнее, можно заметить некое сходство этого персонажа с Джокондой. Поэтому Спасителя часто называют мужской версией Моны Лизы. На обеих картинах присутствует и эффект сфумато (смягчение очертаний лица), как раз-таки изобретенный гением эпохи Возрождения. Однако у Джоконды он ненарочитый, а вот у Спасителя лицо как в густом тумане. Как будто кто-то слегка переборщил.

Лондонская галерея стала первым музеем, признавшим подлинность картины. Сотрудники решили сделать анализ красок, которыми написаны «Мадонна в скалах» и «Спаситель мира». Выяснилось, что их пигменты полностью идентичны. Однако картина могла быть написана учеником Леонардо, который пользовался теми же красками.

В 2019 году сообщалось о пропаже картины. А спустя несколько месяцев выяснилось, что она находится на яхте наследного принца Саудовской Аравии.

Какие факты о картинах стали для вас настоящим открытием? Может быть, и вы знаете что-то интересное и удивительное из мира искусства?