10 легендарных полотен, на которых художники запечатлели куда больше, чем кажется

Нередко на своих полотнах художник не просто запечатлевает какую-то сцену, но и передает через нее послание, свой взгляд на мир и отношение к нему. Иногда смысл этого сообщения считывается довольно легко, а порой приходится искать выразительные детали и интерпретировать их.

Мы в ADME решили пристально вглядеться в работы известных художников, которыми они сказали гораздо больше, чем нам казалось на первый взгляд.

Пьер Огюст Ренуар, «Портрет актрисы Жанны Самари»

Пьер Огюст Ренуар считал, что живопись может приносить радость, и потому его работы полны ощущения легкости и безмятежности. В истории искусств он известен как «художник счастья».

Знаковой картиной мастера является «Портрет актрисы Жанны Самари». Она была одной из его любимых моделей, и на этом полотне он хотел отразить краткий момент встречи с ней и свое впечатление. Ренуар попытался передать лучшие черты девушки: ее изящество, ум, открытость и непринужденность. Жанна выглядит одновременно и задумчивой, и счастливой: обратите внимание на озорное выражение глаз, таинственную полуулыбку. От картины так и веет женственностью и свежестью. Глубокий взгляд влажных блестящих глаз контрастирует с нежным цветом кожи и слегка растрепанными волосами. Создается ощущение, что художник запечатлел случайно пойманное мгновение.

Эдуар Вюйар, «Интерьер. Мать и сестра художника»

Французский живописец, декоратор и гравер Эдуар Вюйар нередко рисовал своих персонажей в интерьере. Часто на его полотнах изображены бытовые сцены: женщины за работой, дома, в саду. Вот и на этой картине героини, мать и сестра Вюйара, показаны зрителю в своей привычной обстановке — дома.

Обратите внимание на пространство: его почти нет, картина вызывает ощущение тесноты. Место есть только для одного человека — для дамы в черном, но здесь вынуждены тесниться и девушка, и сам зритель. Мать властно сидит посередине комнаты, в то время как ее дочь практически вжалась в стену. Чтобы находиться здесь, она пригибает голову, как будто иначе ударится о потолок. Расцветка платья девушки как бы поглощается узором обоев, будто она старается слиться с комнатой, сделаться незаметной. Платье матери же, наоборот, выделяется ярким черным пятном.

Картина является одной из самых дерзких работ Вюйара: настолько она интимная, личная. Художник фактически выносит сор из избы, выставляя напоказ то, что происходит у него дома: свою деспотичную мать, которая подавляла своих детей, и отношение к ней.

Леон Фредерик, «Три сестры»

Бельгийского художника Леона Фредерика относят к представителям символизма. Его ранние работы полны мистицизма, а более поздние отражают социальные проблемы.

Картина «Три сестры» поражает изображением персонажей: перед нами 3 девочки, которые в красных платьях чистят картошку. Девочки опрятны, их платья выглядят почти нарядно, но из-под них торчат поношенные грубые ботинки. Да и картофель — основная еда фермеров, а не аристократии. Антураж подсказывает, что вряд ли это богатый дом. Но не вписывающиеся в эту обстановку платья совершенно сбивают с толку.

Кожура картошки приковывает внимание: она довольно тщательно прорисована и напоминает кружево. Зная о тяготении художника к мистицизму, можно предположить, что здесь в облике девочек зашифрованы Мойры — 3 богини-сестры, которые «прядут» человеческую судьбу. Эту догадку подтверждают и закрытые глаза девочек: они показывают полное безразличие к результатам своего труда.

Артур Хьюз, «Апрельская любовь»

Во время первого показа Артур Хьюз сопроводил эту работу строками из стихотворения Альфреда Теннисона «Дочь мельника». В них говорится о прошедшей любви, о сожалении о ней. Картина не была иллюстрацией к стихотворению, наоборот, это оно должно было усилить впечатление и подсказать зрителю, какой смысл в нее вложил автор.

На полотне изображена молодая пара в переломный момент. Фигура мужчины едва видна, его голова выглядывает из-за девушки. Она же отвернулась и смотрит на упавшие на пол лепестки цветов. Прерафаэлиты часто использовали в своих работах символические элементы. Плющ, к примеру, означал вечную жизнь, а розы — любовь. Здесь же лепестки разбросаны по полу, а значит, роман закончился.

Фрида Кало, «Автопортрет с маленькой обезьянкой»

Мексиканская художница известна своими многочисленными автопортретами. Она говорила: «Я рисую себя, потому что часто бываю одна, и я — предмет, который я знаю лучше всего». Кало разработала собственный стиль, черпая вдохновение в культуре своей страны. Ее работы наполнены яркими цветами и символами. Она часто изображала себя с животными: они заменяли ей детей, которых у нее не было. Нередко на ее полотнах фигурирует обезьянка, которую она считала символом нежности и защиты.

Вот и на этом портрете Фрида с обезьянкой, которая обнимает ее сзади. А на руках у девушки лежит ее лысая собака Сеньор Ксолотль, названная в честь ацтекского бога огня и молний. Сзади изображен доколумбовский идол ацтеков. Лента, похожая на лозу винограда, оплетает всех персонажей и связывает их. Обратите внимание: один ее конец заканчивается подписью художницы, а другой обвивается вокруг гвоздя, который будто прибивает фон — облака.

Есть мнение, что на этом полотне Кало отобразила свой глубокий интерес к связям мира человека и природы. Своим нарядом, прической и изображением идола она подчеркивает единство со своей страной, а придавая местами своим волосам сходство с шерстью животных, — и с природой. Также есть другая версия трактовки картины: лента — это линия жизни, соединяющая Кало с прошлым, настоящим и будущим.

Петрус ван Шендель, «Рынок при свечах»

Голландско-бельгийский художник Петрус ван Шендель известен своими картинами, на которых
в качестве источников света рисовал только свечи и тусклые огоньки. Скудно освещенная рыночная площадь со временем стала его любимым местом действия, ведь именно там он мог показать совершенно разных людей вместе.

На картине «Рынок при свечах» на переднем плане изображена торговка апельсинами. Она устало смотрит на зрителя. Но шелковый чепец и жемчужные сережки выдают ее: вряд ли она так проста. Возможно, когда-то женщина была богата, а теперь ей приходится работать. Вот и героиня на заднем фоне заметила ее и с удивлением смотрит: быть может, она ее узнала. Присмотримся к фигуре женщины: вместе с коромыслом она образует крест. Можно рассмотреть это как намек на то, что на ее долю выпали испытания и она вынуждена нести свой крест.

Жорж Сёра, «Воскресный день на острове Гранд-Жатт»

На своей самой крупной картине Сёра нарисовал отдыхающих в парке парижан. На первый взгляд кажется, что каждый из присутствующих занят своим делом: кто-то ловит рыбу, кто-то смотрит вдаль, вяжет, играет на трубе. Но обратите внимание: все фигуры статичны, они будто замерли в ожидании. Почти все изображены боком к зрителю, отчего напоминают игрушечных солдатиков.

И хотя сам художник утверждал, что стремился лишь показать современных ему жителей, как будто они изображены на древнегреческих барельефах, многие по-прежнему ищут в этом полотне скрытые смыслы.

К примеру, некоторые считают, что здесь отражено напряжение, возникающее между горожанами разных социальных классов. Они собрались в одном месте, но не общаются и не взаимодействуют. А девочка в центре картины — единственный персонаж, смотрящий прямо на зрителя, — по мнению критиков, является воплощением немого вопроса: «Что будет с этими людьми?»

Клод Моне, «Дама с зонтиком» («Прогулка»)

На этой картине Клод Моне изобразил прогулку своей жены Камиллы и сына Жана в летний ветреный день. Работа является одной из самых узнаваемых. Уникальность ее в том, что это не просто портрет или пейзаж, а и то и другое вместе. Лица героев находятся слегка в отдалении, они нарисованы мазками, намечены лишь общие черты. Дама с зонтиком и мальчик стоят на возвышении. Мы смотрим на них снизу вверх, что дает возможность показать больше пространства сверху, неба.

Моне мастерски передал неуловимость мгновения. Картина вызывает беспокойство: дама будто привиделась нам, она словно мираж, который вот-вот рассеется. Это впечатление усиливает и поза мальчика: он статично стоит на земле, опустив руки. Женщина будто только что заметила, что кто-то на нее смотрит, и обернулась. Ее платье движется от этого поворота и от ветра вместе с травой и цветами. Небо, как и земля, полно энергии, движения. Художник так смешал цвета, создал такие тени и мазки, что сцена стала реалистичной и мы видим картинку, которая того и гляди исчезнет.

Пабло Пикассо, «Девочка на шаре»

«Девочка на шаре» была написана Пабло Пикассо в «розовый» период. На картине изображена группа артистов бродячего цирка во время репетиции. Фокус здесь на гимнастке, которая балансирует на шаре, рядом с ней сидит крепкий атлет. Идея картины — изобразить чуждых обществу людей, связанных друг с другом. На первый взгляд кажется, что герои резко контрастируют: хрупкая девочка и мускулистый молодой человек. Она балансирует, он сидит. Она — на шаре, он — на кубе. Она нарисована в голубом цвете, он — в розовом.

Но стоит присмотреться, и становятся заметными детали, связывающие персонажей. К примеру, левая рука гимнастки изогнута под таким же углом, что и левая нога мужчины. Цвет его шорт перекликается с цветом ее трико, а цветок в волосах героини — с его майкой.
Фигуры акробатов как бы уравновешивают полотно. Хотя взгляды артистов не пересекаются, кажется, что они могут существовать только вместе, их связывает одна судьба. Если убрать гимнастку, присутствие сильного мужчины будет бессмысленным, а если не будет спортсмена, девочка потеряет равновесие, ведь его нога будто является опорой для нее. Здесь также важны персонажи на заднем фоне, без них композиция выглядела бы незаконченной.

Говорят, эта картина является индикатором настроения: каждый видит в ней что-то свое. Если вы счастливы, то увидите в ней что-то доброе — поддержку, взаимосвязь. А если вам грустно, работа покажется мрачной.

Лукас Кранах Старший, «Уста истины»

Этот шедевр немецкой живописи эпохи Возрождения можно отнести к числу самых значительных работ Кранаха, находящихся в частных коллекциях. Название картины отсылает нас к знаменитой одноименной мраморной маске, находящейся в Риме, которая выступала своего рода детектором лжи. Согласно легенде, каждый, кто засунет руку ей в рот и солжет, останется без руки.

Кажется, будто художник просто изображает сцену из известной истории того времени. Суть его такова. Одному сановнику доложили, что жена ему изменяет. Чтобы выяснить, правда это или нет, ее привели к «Устам истины». Обманщица же подговорила своего любовника переодеться в шута, и, когда она уже положила руку в каменные уста, он дотронулся до нее. Женщина заявила, что никто кроме мужа и этого шута ее не трогал. То есть ей удалось и обмануть, и сказать правду, рука осталась невредимой.

На картине роль маски выполняет скульптура льва с открытой пастью. Но он нарисован как настоящий: того и гляди оживет. Теперь взглянем на присутствующих. Любовник в своем наряде похож на беса. Судьи сбиты с толку и что-то горячо обсуждают. Дамы же явно заинтересованы. Скорее всего, они знают, что измена была, и им просто любопытно, как женщина выкрутится. Рядом с ними стоит обманутый муж, он напряженно смотрит на руку жены. А около него мы видим лицо человека, которому будто не хватило места на этой картине. Пожалуй, он является ключевой фигурой. Мужчина открыл от изумления рот и смотрит прямо на зрителя, будто не может поверить, что обманщице все сошло с рук и никого это особо не волнует. Возможно, автор этой работой хотел сказать, что порок остается безнаказанным, и это печально.

А кто ваш любимый художник? Какие его картины вызывают у вас особенно сильные чувства?